El uniforme, el cual le queda un poco suelto, da la sensación de que, es muy pequeña para usar ese uniforme, o en otras palabras, aún no están listos para ser militares y portar armas.
Yasumasa Morimura
Yasumasa Morimura (Osaka, 11 de junio de 1951) es un artista plástico japonés conocido por ser un representante de la fotografía escenificada, así como de la corriente artística conocida como apropiacionismo.
Nació en Japón pocos años después del fin de la Segunda Guerra Mundial, acontecimiento que supuso profundos cambios en las relaciones entre Japón y Occidente. Estos cambios influyeron intensamente en su educación y en su posterior obra. Comenzó su formación en Osaka, hasta que en 1975 obtuvo una beca para la Kyoto City University of Art, donde permaneció estudiando diseño hasta 1978. Desde sus primeras creaciones se observa la base dualista de su obra (Oriente frente a Occidente, lo femenino frente a lo masculino, lo propio y lo extranjero, lo tradicional y lo contemporáneo...), así como el eje determinante de toda ella: el concepto de identidad.
A mediados de los ochenta incorporó la fotografía a su obra. A través de la cámara, Morimura analiza los complejos intercambios culturales entre Oriente y Occidente y denuncia la imposición cultural y económica de Occidente sobre Japón. Asimismo, rechaza otras oposiciones como predeterminadas, poniendo en tela de juicio la identidad sexual, cultural o nacional, denunciando una globalización desequilibrada e impositiva. Morimura ha sido englobado en el grupo de artistas de los setenta que utilizaron la técnica del “apropiacionismo”.
Mediante este procedimiento, el artista se apropia de imágenes clásicas del arte occidental para reinterpretarlas y recrearlas dándoles una nueva significación. De este modo, Morimura cosifica la obra (gran influencia de autores como Marcel Duchamp o Andy Warhol), del mismo modo en el que siente que el pueblo japonés ha sido cosificado por la opresión occidental. A pesar de que su obra generalmente la desarrolla en fotografías a color sobre lienzos u otros soportes, también realiza audio/vídeo-instalaciones, e incluso colabora en giras teatrales desde el año 2000. Sin embargo su trabajo siempre ha gozado de aspecto teatral: el propio Morimura es el actor de su obra. Mediante un elaborado maquillaje y un agudo narcisismo, se transforma en los personajes de los grandes clásicos, dando una nueva identidad a las grandes obras canónicas.
Esta imagen se ve a un hombre gritando desconsoladamente. En sus brazos sostiene a un cuerpo, el cual tiene los claros signos de haber sido atacado, puesto que no tiene ni cabeza ni un antebrazo. Esta obra fue tomada de la pintura "Saturno devorando a sus hijos". En esta foto, se representa el dolor de Saturno.
Cindy Sherman
Cindy Sherman (nacida el 19 de Enero de 1954 en Nueva Jersey) es una fotógrafa y directora de cine
estadounidense.
Se empezó a interesar por las Artes
Visuales mediante la pintura en la Universidad de Buffalo, aunque enseguida
pasó a usar la fotografía como medio favorito de expresión debido a las
limitaciones que encontraba en la pintura. Es conocida sobre todo por sus
autorretratos conceptuales
En esta imagen se aprecia a una mujer que, a mi parecer, está muerta. Al lado hay una especie de copa, que podría ser veneno. El rostro de la mujer expresa dolor, ero al mismo tiempo, está con ojos neutros.
Irving Penn
Irving Penn (Plainfield, Nueva Jersey, 16 de junio de 1917 - Nueva York, Nueva York, 7 de octubre de 2009) fue un fotógrafo de modas y de retratos estadounidense.
Estudió diseño en la Escuela de Artes Industriales
del Museo de
Filadelfia, de la cual egresó en 1938. Su profesor fue el fotógrafo
Alexey Brodovitch, quien más tarde sería su colega en la revista Harper’s
Bazaar. Luego viajó a México, donde se dedicó a la pintura durante
un año.
Sus dibujos
fueron publicados en Harper's Bazaar. Su primera labor en la revista Vogue fue
como ayudante del artista Alexander Liberman. En 1943, comenzó a
trabajar como diseñador de portadas.
Después de
la Segunda Guerra Mundial, Penn adquirió fama
por sus elegantes y glamorosos retratos femeninos publicados en Vogue. En sus fotografías, el
sujeto solía posar ante un sencillo fondo blanco o gris, usando la simplicidad
más efectivamente que otros fotógrafos de la época.
En 1950, se
casó con la modelo Lisa Fonssagrives, con quien tuvo un hijo llamado Tom. Tres
años después, fundó su estudio fotográfico. Quedó viudo en 1992,
cuando Fonssagrives tenía 80 años.
Recibió el premio
Hasselblad en 1985, y
dos años más tarde fue galardonado con el Premio de Cultura de la Asociación Alemana de Fotografía.
Publicó
diversos libros, incluyendo The
astronomers plan a voyage to Earth (1999)
y Photographs of Dahomey (2004), además de exhibiciones de su
obra.
Falleció el 7 de octubre de 2009 en su casa de Manhattan a los 92 años.
Esta imagen me pareció interesante. Me recuerda a la frase "Las apariencias engañan". Eso se ve apetitoso, hasta que se ve el líquido en su interior... es una especie de manjar muy aguado o vencido, pero que ya no me hace verlo apetitoso.
Chuck Close
Chuck Close (Charles Thomas Closet, nacido el 5 de julio de 1940 en Monroe, Washington, EE.UU.) es un
artista estadounidense, pintor y fotógrafo foto realista. Desde 1988 tetrapléjico, prosiguió su carrera utilizando
diversos métodos creativos.
La mayor parte de sus obras son enormes retratos basados en
fotografías (técnica del fotorrealismo o hiperrealismo). En 1962 recibió su titulación (B.A.) en la Universidad
de Washington en Seattle.
Se graduó (MFA) por la Universidad de Yale en 1964. Estuvo en Europa con una beca del Programa Fulbright,
regresando a EE.UU. donde trabajó como profesor de arte en la Universidad de
Massachusetts.
En 1969 su trabajo fue incluido en el Whitney Biennial. En 1970 realizó su
primera exposición individual. Su trabajo se expuso por primera vez en el MOMA, Museo de Arte Moderno de Nueva York
en 1973.
Para crear sus obras, Close pone una malla sobre la foto y sobre el lienzo y
copia celda por celda. Sus primeras herramientas para ello incluían un
pulverizador, retazos de tela, cuchillas, y una goma de borrar montada sobre
una máquina taladradora. Su primer gran cuadro con este método fue suGran Autorretrato,
una ampliación de su cara en blanco y negro sobre un lienzo de 2.73 m por
2.12 m realizado durante cuatro meses en 1968. Produjo otros siete
retratos en blanco y negro durante este periodo. Se dice que mencionó utilizar
pintura tan diluída en el pulverizador que los ocho cuadros se realizaron con
un único tubo de acrílico negro.
Close ha
regresado a menudo a las mismas fotos para pintar una y otra vez con técnicas
diferentes. Una foto de Philip Glass se
incluyó en su serie en blanco y negro de 1969, rehecha con acuarelas en 1977,
de nuevo rehecha con tampón y huellas en 1978, y también con papel gris hecho a
mano en 1982.
Su trabajo
posterior se ha ramificado en mallas no rectangulares, regiones de colores
similares tipomapa topográfico, trabajos en mallas de
color CMYK,
y el uso de grandes mallas para hacer obvia la naturaleza celular de su trabajo
incluso en pequeñas reproducciones -- el Gran
Autorretrato está hecho con
tanta perfección que incluso una reproducción a toda página en un libro de arte
no puede distinguirse de una fotografía normal.
En 1988,
Close sufrió un colapso de su arteria espinal, el día que iba a dar una
conferencia en una ceremonia de entrega de premios de arte. Se sintió enfermo
antes, dio su conferencia, y después acudió con dificultad a un hospital en la
calle de enfrente. Pocas horas después era un parapléjico.
Close siguió
pintando con un pincel entre los dientes, creando mini-retratos en mallas
cuadradas preparadas por un asistente. Desde la distancia, estos cuadrados
aparecen como una imagen única. Recuperó algún movimiento en su brazo y
piernas, y en la actualidad pinta con una brocha atada a su mano.
Este retrato me llamó la atención por la expresión de la mujer. No es de sufrimiento, es como si estuviera mirando algo que la decepciona. Sus ojos, fijos en algún lugar o hecho, y su boca le da la expresión de ver y pensar en lo que ve.
Yousuf Karsh
Yousuf Karsh (Mardin, 1908 - Boston, 2002) fue un fotógrafo canadiense de origen armenio.
Nació en Mardin, en la parte occidental de Armenia que actualmente forma parte de Turquía. A la edad de 14 años su familia, huyendo de la persecución de la que era objeto la población armenia, se refugia en Siria. Dos años después, Yousuf se trasladó a Sherbrooke, en la provincia de Quebec, (Canadá) y vivió con un tío que se desempeñaba como fotógrafo.
En Sherbrooke asistió a la escuela y en el tiempo libre ayudó a su tío en su actividad profesional, quien observó el talento de su sobrino y le consiguió un puesto como aprendiz en Boston con el fotógrafo John Garo.
Cuatro años más tarde Karsh regresó a Canadá y abrió un estudio propio en Ottawa, cerca de la sede del Gobierno. Fue casualmente descubierto por el Primer Ministro canadiense Mackenzie King que lo introduce en el ambiento político, encargándole retratos de dignatarios extranjeros en visita oficial. Karsh obtiene una discreta notoriedad, pero la fama lo encuentra en el año 1941, en ocasión de la visita a Ottawa de Winston Churchill, cuando retrata al Primer Ministro británico. Esta foto sería uno de los retratos fotográficos más conocidos y reproducidos de la historia.
Esta imagen retrata la actitud pensante de este Einstein. Pero también me da la sensación de un viejo solitario, resignado a quedarse así.
Richard Avedon
Richard Avedon (Nueva York, 15 de mayo de 1923 - San Antonio, Texas, 1 de octubre de2004) fue un fotógrafo estadounidense
Reputado fotógrafo de modas y gran retratista, comenzó su carrera profesional en los años 1950 realizando espléndidos trabajos de moda para la revista Harper's Bazaar, donde acabó convirtiéndose en Jefe de Fotografía. Posteriormente, habría de colaborar igualmente con otras revistas como Vogue, Life y Look. Sin duda alguna, fue el gran fotógrafo de la moda durante los años 1960 y 70. En sus trabajos consiguió elevar la fotografía de moda al rango de lo artístico, al conseguir acabar con el mito de que los modelos debían proyectar indiferencia o sumisión. Por el contrario, en sus fotografías los modelos eran personajes libres y creativos en sus gestos dentro de escenarios dinámicos y bajo esquemas compositivos previamente decididos.
Esta imagen me gusta mucho. Es una imagen de una revista de modas, pero lo que me encanta es la expresión de movimiento, y el rostro inocente de la joven fotografiada, le da un toque único.
Philippe Halsman
Philippe Halsman (2 de mayo de 1906 - 25 de junio de 1979) fue un fotógrafo letón estadounidense muy conocido por sus retratos de personajes célebres.
Se caracterizó Halsman por su ingenio, materializado sobre todo a través de la técnica del "jumping style" o "jumpology", a la que él dio origen. Se trataba de retratar a la persona saltando, para así conseguir una imagen de ésta mucho más real, más verdadera, sin artificio ninguno, sin que el cerebro pudiera controlar la expresión del rostro. «En un salto, la máscara se cae. La persona real se hace visible», explicaba Halsman. El resultado era una imagen de la persona bien distinta a como solía aparecer, y por ello con gran atractivo para el público, estas «imágenes de saltos» se publicaron en 1949 alcanzando gran éxito. No todo eran saltos, pero siempre sus fotografías mostraban situaciones divertidas, y algunas, algo provocadoras.
Lo que me comunica esta foto, es que, todas las personas estamos en nuestro mundo, dentro de nuestro "cascarón" y es ahí, donde somos la persona real. Lo último lo manifiesta con el denudo dentro del huevo.
Alastair Thain
Es uno de los fotografos internacionales mas aclamados.
Durante 20 años Alastair Thain a sido un fotografo innovador, al lograra capturar la escencia de las personas, la identidad más pura de la personalidad.
Realiza retratos de personajes famosos, soldados.
Esta foto creo que es el claro ejemplo de lo que hace Alastair. La expresión de esta señora es de una mujer que ha vivido mucho, pero sus ojos son serenos. Es rescatar la belleza de las personas, la cual se rescata en sus ojos. Aún son joviales.
Gilles et Pierre
Son una pareja de fotografos con un cierto estilo clásico. Según ellos, sus fotos son una forma de ampliar la mente, por decirlo de alguna manera. Pero esto va más ayá de la homosexualidad.
"El Beso"
Esta foto, tiene dos hombres, que podrían ser estereotipos masculinos: un marinero y un obrero, ambos socialmente destacarían por ser fuertes y varoniles. Pero, es esta foto, se están besando, y al hacerlo, se ve más el lado romántico, ya no se ven como estereotipos, se rompe el enlace que tienen esas dos profesiones con el concepto "Varonil" o de un hombre estereotipado.
Relajo
Observando
